À PROPOS
Qui est Katka ?
Artiste belfortaine issue de la culture street art, Katka développe un univers visuel fort, inspiré du graffiti et de l’art contemporain.
Depuis plus de dix ans, je peins, j’expérimente, je cherche, avec une envie constante : raconter quelque chose, laisser une trace, créer des œuvres qui vibrent et qui parlent.
Chaque fresque est pour moi une rencontre. Avec un lieu, une histoire, une personne. Je ne reproduis pas, je compose. J’imagine des créations uniques, pensées sur mesure, où chaque détail, chaque couleur a du sens.
Quand je peins, je suis à ma place. C’est là que tout s’aligne. Mon ambition est simple : vivre pleinement de ma passion, multiplier les projets, explorer toujours plus loin et continuer à faire passer des émotions à travers les murs.
Je travaille avec les entreprises comme avec les particuliers, avec la même exigence et la même envie : créer quelque chose de fort, de sincère, et d’unique.
Qui est Katka ?
Artiste belfortaine issue de la culture street art, Katka développe un univers visuel fort, inspiré du graffiti et de l’art contemporain.
Depuis plus de dix ans, je peins, j’expérimente, je cherche, avec une envie constante : raconter quelque chose, laisser une trace, créer des œuvres qui vibrent et qui parlent.
Chaque fresque est pour moi une rencontre. Avec un lieu, une histoire, une personne. Je ne reproduis pas, je compose. J’imagine des créations uniques, pensées sur mesure, où chaque détail, chaque couleur a du sens.
Quand je peins, je suis à ma place. C’est là que tout s’aligne. Et aujourd’hui, mon ambition est simple : vivre pleinement de cette passion, multiplier les projets, explorer toujours plus loin et continuer à faire passer des émotions à travers mes murs.
Je travaille avec les entreprises comme avec les particuliers, avec la même exigence et la même envie : créer quelque chose de fort, de sincère, et d’unique.
Biographie
Katka est une artiste franco-slovaque née en 1983 à Nogent-sur-Marne (94), et basée à Belfort (90). Passionnée d’art et de voyages, elle dessine depuis toujours.
À 17 ans, elle part seule à l’autre bout du monde. Destination Sydney. Une année d’échange, sept familles d’accueil, mille repères à réinventer. Au St Scholastica’s College, elle choisit l’option Art & Design Technology — déjà, le besoin de créer.
De retour en France, elle obtient son baccalauréat au Lycée Condorcet de Belfort, puis intègre l’École Supérieure d’Art d’Aix-en-Provence, où elle décroche son Diplôme National d’Arts-Plastiques en 2004. Elle y découvre plusieurs formes d’art, apprend l’histoire de l’art, et s’ouvre aux nouvelles technologies.
Pendant six ans, elle vit en caravane au sein d’une compagnie de cirque itinérante. Une vie nomade, vibrante. Elle voyage, elle dessine entre deux spectacles, et façonne l’identité visuelle de la troupe.
C’est là qu’elle se forme à l’infographie et devient graphiste en 2007. Elle travaillera dans diverses agences tout en développant, dès 2009, son auto-entreprise — funambule entre commandes et création libre.
En 2013, après des années d’explorations artistiques, elle découvre la bombe aérosol. Une révélation, voire une libération ! Le mur devient terrain d’expression, la couleur jaillit, le geste s’élargit. Elle enchaîne les graffs et, en 2015, est sélectionnée pour le Sliema Street Art Festival à Maltes, où elle rencontre des artistes internationaux qui nourrissent son élan. La même année, elle fonde l’association Belfort Street Art et co-organise le festival Belfort Bombing Art.
En 2018, elle donne naissance à des jumelles. Un tsunami qui redessine les priorités sans jamais éteindre la flamme. Longtemps, elle jongle entre son travail de graphiste salariée à mi-temps et son activité indépendante, avançant avec ténacité et passion. En 2026, elle choisit de se consacrer pleinement à l’art. Un pas décisif. Comme un retour à l’essentiel : créer, transmettre, laisser une trace sensible.
Démarche artistique
Depuis toujours, le dessin est mon langage. Enfant, je peuplais mes feuilles de personnages imaginaires : je leur donnais des noms, des habits, des styles, et je les faisais dialoguer comme d’autres jouent aux poupées. Mon monde tenait dans un carnet.
Adolescente, je “croquais” ma famille, mes amis et de parfaits inconnus partout où j’allais. Du graphite au pastel gras, j’ai appris à chercher l’essentiel, à couper le superflu.
À l’école d’Art, j’adorais le modèle vivant. J’ai appris à capter en quelques minutes l’équilibre fragile d’une posture, la tension d’un muscle, la grâce d’un mouvement. Synthétiser l’essentiel. Oser. Chercher. Explorer mille techniques comme autant de chemins possibles vers une même vérité : celle du geste juste.
Mon carnet de croquis s’est transformé en carnet de voyages, compagnon fidèle de mes errances. L’aquarelle m’a séduite par sa légèreté, sa discrétion, mais surtout par sa poésie. Composer sans enfermer, peindre sans contour, laisser l’eau décider parfois. Trouver l’équilibre entre tensions et respirations, maîtriser la tâche tout en acceptant l’imprévu. Avec elle, j’ai appris à dialoguer avec l’accident.
Ma formation de graphiste a profondément nourri ma démarche artistique. Imaginer des logos, jouer avec la typographie, créer des affiches, habiller des vitrines, concevoir des enseignes, dessiner en vectoriel : tout cela a aiguisé mon sens de la composition et du rythme.
Ce métier entretient ma curiosité, nourrit mon regard, et tisse autour de moi un réseau vivant de collaborations et d’échanges. La créativité y est sans cesse stimulée.
Depuis 2023, mes fresques accueillent parfois des pochoirs “faits maison”. J’aime dessiner mes visuels sur Illustrator, les penser avec précision, puis les découper dans du vinyle grand format. Cette technique me permet de gagner en justesse sur l’esquisse, d’ancrer les proportions, avant de reprendre à main levée, de manière plus instinctive. Sur toile, j’utilise aussi l’acrylique et le marqueur, pour la précision des détails.
La rue ne répond pas aux mêmes lois que l’atelier. Le street art exige l’action, la réactivité, l’adaptation. La toile invite à l’introspection, au silence, au face-à-face. Ces deux pratiques, loin de s’opposer, s’équilibrent. L’une me met en mouvement, l’autre me recentre. Ensemble, elles dessinent le fil de ma démarche.
Animer des stages d’initiation à la bombe aérosol est une autre facette de mon travail. Les fresques participatives offrent aux jeunes une expérience collective forte et inoubliable. Je vois la fierté illuminer leurs visages lorsqu’ils prennent du recul devant le mur transformé. Ces instants de partage me rappellent à quel point l’art peut être puissant et rassembleur.
Chaque création est un défi. Une prise de risque nécessaire. Sortir de ma zone de confort, accepter de douter, remettre en question mon savoir-faire pour continuer à grandir. Peindre, c’est accepter de ne pas tout maîtriser.
Thèmes
Univers & Style
La peinture est un territoire sensible où s’expriment mes propres contradictions : fragilité et puissance, ordre et chaos, beauté et trouble. De cette tension naît une figuration narrative, symbolique et intensément colorée.
Mes œuvres se déploient comme des récits visuels qui questionnent notre rapport au vivant, à l’identité et à la liberté. Loin de moi l’envie de m’enfermer dans un style unique, je préfère au contraire stimuler ma créativité en explorant différents rendus.
Réaliste ou stylisée, mon écriture plastique s’adapte aux thématiques abordées. Techniques, supports, formats, sujets et palettes varient au gré des projets.
La couleur demeure toutefois le fil conducteur de mon travail. Vibrante et expressive, elle agit comme une force émotionnelle, porteuse de vie.
Chez moi, rien n’est laissé au hasard : le motif, la composition et la couleur participent d’un même langage. Par le détournement de symboles ancrés dans l’imaginaire collectif, j’affirme une vision personnelle et engagée.
Le regard est invité à s’attarder sur les détails, ces traces discrètes où la matière devient mémoire, et à percevoir, dans le frémissement des formes, une voix intime à portée universelle. Mes images n’apportent pas une réponse mais proposent une rencontre, une émotion, un lien sensible entre mon monde intérieur et celui du spectateur.
Inspirations
Nombreux sont les artistes qui nourrissent mon regard et mon imaginaire. Leurs univers, parfois très éloignés les uns des autres, entrent pourtant en résonance avec ma propre recherche picturale. Voici une sélection non exhaustive :
Je suis profondément marquée par l’intensité introspective de Frida Kahlo. Dans ses tableaux, elle peint ses joies et ses douleurs sans masque. Elle me rappelle qu’on peut transformer ses fragilités en force.
La poésie de l’imagerie japonaise m’inspire aussi beaucoup : ces images où le vide a autant d’importance que le plein, où une branche, un oiseau ou une vague suffit à raconter une histoire. Elles m’apprennent la douceur et la simplicité.
Salvador Dalí m’inspire par sa liberté surréaliste, par son audace narrative folle dans des mondes étranges où tout semble possible. Sa manière de mélanger rêve et réalité m’encourage à ne jamais brider mon imagination.
Techniques
Dans mon travail, chaque technique est un langage. Je ne les oppose pas : je les fais dialoguer. Chacune m’offre une manière différente de ressentir, de construire, de laisser une trace.
Le crayon HB est souvent mon point de départ. Simple, direct, honnête. Il me permet de chercher, de dégrossir, de recommencer. Avec le fusain, le trait devient plus vibrant, plus instinctif. Il salit les doigts, s’efface, se transforme : il oblige à lâcher prise. La sanguine, elle, apporte une chaleur particulière, presque charnelle. Elle évoque la peau, la douceur, l’intimité.
Les pastels me permettent d’entrer dans la couleur avec intensité. Ils offrent une matière riche, que l’on peut fondre ou au contraire laisser brute. L’aquarelle, plus légère, m’apprend la patience et l’humilité. Elle m’invite à travailler la transparence et l’équilibre entre plein et vide. L’encre de Chine introduit le contraste, la tension. Son noir profond structure l’image, affirme les formes, donne du rythme. Elle demande précision et engagement : chaque geste compte.
Avec l’acrylique, j’explore la densité et la superposition. La couleur devient plus couvrante, plus affirmée. Elle me permet de construire des compositions fortes, d’alterner aplats nets et textures spontanées. Les marqueurs apportent une écriture plus directe, presque graphique. Ils soulignent, découpent, dynamisent.
Enfin, la bombe aérosol ouvre l’espace. Le geste s’élargit, le corps s’engage pleinement. La peinture devient mouvement. Elle permet de travailler à grande échelle, de dialoguer avec le mur, la ville, le public. Elle mêle précision et énergie brute.
Du trait le plus fin au mur monumental, je navigue entre ces techniques comme entre différents souffles. Chacune nourrit ma recherche d’équilibre entre maîtrise et spontanéité, délicatesse et puissance, silence et éclat.
L’Espace public
Qu’il interpelle, agace ou fascine, le street art est un mouvement artistique libertaire, démocratique, qui permet de revitaliser les villes, en les rendant plus dynamiques, attrayantes et agréables à vivre.
Il offre une liberté d’expression tant sur le fond que sur la forme. Il sort l’art de l’espace clos des galeries, le rend accessible à tous et, au détour d’une rue, l’émotion instantanée qu’il procure oscille entre surprise, émerveillement et questionnement.
La peinture devient une performance publique et par conséquent un acte éminemment politique. Dans ce dialogue permanent avec l’espace et le public, les échanges spontanés avec les passants nourrissent souvent le processus créatif et influencent directement la réalisation de l’œuvre.
Les collaborations y occupent une place essentielle : la rencontre des styles et des sensibilités enrichit l’œuvre et ouvre de nouveaux territoires de création.
La peinture de rue implique une relation particulière au temps et à l’espace. Investir un mur, c’est s’approprier l’espace public pour un instant, tout en acceptant la nature éphémère de cette pratique : l’œuvre peut être transformée, recouverte, altérée par le temps et les éléments. Rien n’est figé. Cette fragilité confère à chaque intervention une intensité particulière.
Dans cette dynamique, j’envisage l’espace public comme un lieu de dialogue et de partage. Le mur devient surface d’échange, point de rencontre entre une intention artistique et une réalité urbaine en mouvement. Les fresques murales invitent à ralentir, à porter un regard renouvelé sur l’environnement quotidien, à transformer un simple lieu de passage en espace d’attention.
En investissant la ville, j’assume également la dimension sensible et parfois controversée de l’art urbain. Car l’art, par nature, invite à l’interprétation et au débat. Il change les habitudes visuelles, bouscule les normes établies et repousse les limites de l’acceptable.
Chaque intervention devient ainsi une proposition : un geste pictural offert au regard collectif, une invitation à penser autrement l’espace commun et la place de la création dans la cité.
Vous avez l’idée ?
J’ai le savoir-faire !
Contactez-moi pour une création artistique sur mesure adaptée à vos envies et à votre budget.
Biographie
Katka est une artiste franco-slovaque née en 1983 à Nogent-sur-Marne (94), basée à Belfort (90). Passionnée d’art et de voyages, elle dessine depuis toujours.
À 17 ans, elle part seule à l’autre bout du monde. Destination Sydney. Une année d’échange, sept familles d’accueil, mille repères à réinventer. Au St Scholastica’s College, elle choisit l’option Art & Design Technology — déjà, le besoin de créer.
De retour en France, elle obtient son baccalauréat au Lycée Condorcet de Belfort, puis intègre l’École Supérieure d’Art d’Aix-en-Provence, où elle décroche son Diplôme National d’Arts-Plastiques en 2004. Elle y découvre plusieurs formes d’art, apprend l’histoire de l’art, et s’ouvre aux nouvelles technologies.
Pendant six ans, elle vit en caravane au sein d’une compagnie de cirque itinérante. Une vie nomade, vibrante. Elle voyage, elle dessine entre deux spectacles, et façonne l’identité visuelle de la troupe.
C’est là qu’elle se forme à l’infographie et devient graphiste en 2007. Elle travaillera dans diverses agences tout en développant, dès 2009, son auto-entreprise — funambule entre commandes et création libre.
En 2013, après des années d’explorations artistiques, elle découvre la bombe aérosol. Une révélation, voire une libération ! Le mur devient terrain d’expression, la couleur jaillit, le geste s’élargit. Elle enchaîne les graffs et, en 2015, est sélectionnée pour le Sliema Street Art Festival à Maltes, où elle rencontre des artistes internationaux qui nourrissent son élan. La même année, elle fonde l’association Belfort Street Art et co-organise le festival Belfort Bombing Art.
En 2018, elle donne naissance à des jumelles. Un tsunami qui redessine les priorités sans jamais éteindre la flamme. Longtemps, elle jongle entre son travail de graphiste salariée à mi-temps et son activité indépendante, avançant avec ténacité et passion. En 2026, elle choisit de se consacrer pleinement à l’art. Un pas décisif. Comme un retour à l’essentiel : créer, transmettre, laisser une trace sensible.
Démarche artistique
Depuis toujours, le dessin est mon langage. Enfant, je peuplais mes feuilles de personnages imaginaires : je leur donnais des noms, des habits, des styles, et je les faisais dialoguer comme d’autres jouent aux poupées. Mon monde tenait dans un carnet.
Adolescente, je “croquais” ma famille, mes amis et de parfaits inconnus partout où j’allais. Du graphite au pastel gras, j’ai appris à chercher l’essentiel, à couper le superflu.
À l’école d’Art, j’adorais le modèle vivant. J’ai appris à capter en quelques minutes l’équilibre fragile d’une posture, la tension d’un muscle, la grâce d’un mouvement. Synthétiser l’essentiel. Oser. Chercher. Explorer mille techniques comme autant de chemins possibles vers une même vérité : celle du geste juste.
Mon carnet de croquis s’est transformé en carnet de voyages, compagnon fidèle de mes errances. L’aquarelle m’a séduite par sa légèreté, sa discrétion, mais surtout par sa poésie. Composer sans enfermer, peindre sans contour, laisser l’eau décider parfois. Trouver l’équilibre entre tensions et respirations, maîtriser la tâche tout en acceptant l’imprévu. Avec elle, j’ai appris à dialoguer avec l’accident.
Ma formation de graphiste a profondément nourri ma démarche artistique. Imaginer des logos, jouer avec la typographie, créer des affiches, habiller des vitrines, concevoir des enseignes, dessiner en vectoriel : tout cela a aiguisé mon sens de la composition et du rythme.
Ce métier entretient ma curiosité, nourrit mon regard, et tisse autour de moi un réseau vivant de collaborations et d’échanges. La créativité y est sans cesse stimulée.
Depuis 2023, mes fresques accueillent parfois des pochoirs “faits maison”. J’aime dessiner mes visuels sur Illustrator, les penser avec précision, puis les découper dans du vinyle grand format. Cette technique me permet de gagner en justesse sur l’esquisse, d’ancrer les proportions, avant de reprendre à main levée, de manière plus instinctive. Sur toile, j’utilise aussi l’acrylique et le marqueur, pour la précision des détails.
La rue ne répond pas aux mêmes lois que l’atelier. Le street art exige l’action, la réactivité, l’adaptation. La toile invite à l’introspection, au silence, au face-à-face. Ces deux pratiques, loin de s’opposer, s’équilibrent. L’une me met en mouvement, l’autre me recentre. Ensemble, elles dessinent le fil de ma démarche.
Animer des stages d’initiation à la bombe aérosol est une autre facette de mon travail. Les fresques participatives offrent aux jeunes une expérience collective forte et inoubliable. Je vois la fierté illuminer leurs visages lorsqu’ils prennent du recul devant le mur transformé. Ces instants de partage me rappellent à quel point l’art peut être puissant et rassembleur.
Chaque création est un défi. Une prise de risque nécessaire. Sortir de ma zone de confort, accepter de douter, remettre en question mon savoir-faire pour continuer à grandir. Peindre, c’est accepter de ne pas tout maîtriser.
Thèmes
Univers & Style
La peinture est un territoire sensible où s’expriment mes propres contradictions : fragilité et puissance, ordre et chaos, beauté et trouble. De cette tension naît une figuration narrative, symbolique et intensément colorée.
Mes œuvres se déploient comme des récits visuels qui questionnent notre rapport au vivant, à l’identité et à la liberté. Loin de moi l’envie de m’enfermer dans un style unique, je préfère au contraire stimuler ma créativité en explorant différents rendus.
Réaliste ou stylisée, mon écriture plastique s’adapte aux thématiques abordées. Techniques, supports, formats, sujets et palettes varient au gré des projets.
La couleur demeure toutefois le fil conducteur de mon travail. Vibrante et expressive, elle agit comme une force émotionnelle, porteuse de vie.
Chez moi, rien n’est laissé au hasard : le motif, la composition et la couleur participent d’un même langage. Par le détournement de symboles ancrés dans l’imaginaire collectif, j’affirme une vision personnelle et engagée.
Le regard est invité à s’attarder sur les détails, ces traces discrètes où la matière devient mémoire, et à percevoir, dans le frémissement des formes, une voix intime à portée universelle. Mes images n’apportent pas une réponse mais proposent une rencontre, une émotion, un lien sensible entre mon monde intérieur et celui du spectateur.
Inspirations
Nombreux sont les artistes qui nourrissent mon regard et mon imaginaire. Leurs univers, parfois très éloignés les uns des autres, entrent pourtant en résonance avec ma propre recherche picturale. Voici une sélection non exhaustive :
Je suis profondément marquée par l’intensité introspective de Frida Kahlo. Dans ses tableaux, elle peint ses joies et ses douleurs sans masque. Elle me rappelle qu’on peut transformer ses fragilités en force.
La poésie de l’imagerie japonaise m’inspire aussi beaucoup : ces images où le vide a autant d’importance que le plein, où une branche, un oiseau ou une vague suffit à raconter une histoire. Elles m’apprennent la douceur et la simplicité.
Salvador Dalí m’inspire par sa liberté surréaliste, par son audace narrative folle dans des mondes étranges où tout semble possible. Sa manière de mélanger rêve et réalité m’encourage à ne jamais brider mon imagination.
La lumière de J. M. W. Turner m’émerveille : dans ses paysages, le ciel et la mer semblent briller de l’intérieur. Il me rappelle que la couleur peut faire naître l’émotion.
L’esprit joueur et décalé de Robert Filliou me touche également : il prouve que l’art peut être simple, libre et plein d’humour.
Dans le champ de l’art urbain, je suis impressionnée par le réalisme saisissant de Smug, par l’exubérance colorée d’Abys et subjuguée par les anamorphoses monumentales de Wild Drawing, qui repoussent les limites perceptives de l’espace.
Ces influences constituent un paysage intérieur au sein duquel mon propre langage visuel se construit, entre figuration sensible, énergie du geste et recherche d’harmonie. Grâce à elles, je continue à chercher, à rêver, et à peindre des images qui parlent au cœur, simplement.
Techniques
Dans mon travail, chaque technique est un langage. Je ne les oppose pas : je les fais dialoguer. Chacune m’offre une manière différente de ressentir, de construire, de laisser une trace.
Le crayon HB est souvent mon point de départ. Simple, direct, honnête. Il me permet de chercher, de dégrossir, de recommencer. Avec le fusain, le trait devient plus vibrant, plus instinctif. Il salit les doigts, s’efface, se transforme : il oblige à lâcher prise. La sanguine, elle, apporte une chaleur particulière, presque charnelle. Elle évoque la peau, la douceur, l’intimité.
Les pastels me permettent d’entrer dans la couleur avec intensité. Ils offrent une matière riche, que l’on peut fondre ou au contraire laisser brute. L’aquarelle, plus légère, m’apprend la patience et l’humilité. Elle m’invite à travailler la transparence et l’équilibre entre plein et vide. L’encre de Chine introduit le contraste, la tension. Son noir profond structure l’image, affirme les formes, donne du rythme. Elle demande précision et engagement : chaque geste compte.
Avec l’acrylique, j’explore la densité et la superposition. La couleur devient plus couvrante, plus affirmée. Elle me permet de construire des compositions fortes, d’alterner aplats nets et textures spontanées. Les marqueurs apportent une écriture plus directe, presque graphique. Ils soulignent, découpent, dynamisent.
Enfin, la bombe aérosol ouvre l’espace. Le geste s’élargit, le corps s’engage pleinement. La peinture devient mouvement. Elle permet de travailler à grande échelle, de dialoguer avec le mur, la ville, le public. Elle mêle précision et énergie brute.
Du trait le plus fin au mur monumental, je navigue entre ces techniques comme entre différents souffles. Chacune nourrit ma recherche d’équilibre entre maîtrise et spontanéité, délicatesse et puissance, silence et éclat.
L’Espace public
Qu’il interpelle, agace ou fascine, le street art est un mouvement artistique libertaire, démocratique, qui permet de revitaliser les villes, en les rendant plus dynamiques, attrayantes et agréables à vivre.
Il offre une liberté d’expression tant sur le fond que sur la forme. Il sort l’art de l’espace clos des galeries, le rend accessible à tous et, au détour d’une rue, l’émotion instantanée qu’il procure oscille entre surprise, émerveillement et questionnement.
La peinture devient une performance publique et par conséquent un acte éminemment politique. Dans ce dialogue permanent avec l’espace et le public, les échanges spontanés avec les passants nourrissent souvent le processus créatif et influencent directement la réalisation de l’œuvre.
Les collaborations y occupent une place essentielle : la rencontre des styles et des sensibilités enrichit l’œuvre et ouvre de nouveaux territoires de création.
La peinture de rue implique une relation particulière au temps et à l’espace. Investir un mur, c’est s’approprier l’espace public pour un instant, tout en acceptant la nature éphémère de cette pratique : l’œuvre peut être transformée, recouverte, altérée par le temps et les éléments. Rien n’est figé. Cette fragilité confère à chaque intervention une intensité particulière.
Dans cette dynamique, j’envisage l’espace public comme un lieu de dialogue et de partage. Le mur devient surface d’échange, point de rencontre entre une intention artistique et une réalité urbaine en mouvement. Mes fresques invitent à ralentir, à porter un regard renouvelé sur l’environnement quotidien, à transformer un simple lieu de passage en espace d’attention.
En investissant la ville, j’assume également la dimension sensible et parfois controversée de l’art urbain. Car l’art, par nature, invite à l’interprétation et au débat. Il change les habitudes visuelles, bouscule les normes établies et repousse les limites de l’acceptable.
Chaque intervention devient ainsi une proposition : un geste pictural offert au regard collectif, une invitation à penser autrement l’espace commun et la place de la création dans la cité.
N’hésitez pas à me contacter pour vos projets, aussi fous soient-ils ! J’interviens chez les professionnels comme chez les particuliers, les écoles, les communes, les festivals…